Née dans le Tarn, Laurence LHER vit depuis quelques années en Normandie et travaille en ateliers privé et collectif. Plus jeune, elle développa un goût prononcé pour la photographie. Son milieu familial lui permit d'approcher la décoration intérieure, la marqueterie, les encadrements, l'aménagement des espaces urbains. C'est à travers tout cela que devait émerger, semble-t-il, cette sensibilité artistique, cette capacité à jouer avec les surfaces.

On retrouve chez elle, cette franchise des couleurs orchestrées comme un ensemble attrayant, une signalétique même (elle a été formée à la communication, au coaching, au droit), suggérant l'apaisement ou peut-être encore un encouragement à vivre autrement ce rapport au monde. Participant à de nombreuses manifestations publiques, elle a notamment exposé dans plusieurs salons et festivals en France comme à l'étranger (Carpentras, Paris, Cannes, Aix-en-Provence, New York, Italie, Allemagne, Espagne…).

La recherche épurée des formes abstraites rehaussées par un choix de couleurs distinctes, nous rend sympathique les œuvres de Laurence LHER. L'artiste déploie tout un ensemble de compositions picturales harmonieuses associant formes géométriques simples et palette sobre. Ce qui nous met en relation avec la clarté et une lisibilité toute personnelle. Nous voyons là l'influence du Minimalisme américain d'un Franck Stella et celle du Bauhaus.
Le souci de rendre l'image active, dans sa tentative pour géométriser les formes n'est pas sans rappeler les intentions de l'artiste Van Doesburg : rechercher un équilibre entre « l'individuel et l'universel » comme le souhaitait le mouvement De Stijl, fondé par lui-même...

En développant un peu plus cette dialectique, on peut y saisir ce que chacun ira trouver en son propre espace et le sens qu'il donnera à ce qu'il perçoit... Nous pouvons même citer P. Mondrian qui écrivait que la « sensibilité moderne devait tendre vers une langue plastique directement universelle et rationnelle ».
Dans les œuvres de Laurence LHER, nous découvrons, en fait, un art essentiellement délesté de la matière, par le jeu des formes peintes abstraites évoquant une dynamique, pourrait-on dire, qui limite le tragique et l'émotionnel. Une esthétique dégagée des tensions donc, qui laisse le visiteur découvrir un monde libre et ouvert à toutes les interprétations. Nous pouvons parler d'un certain « dépouillement formel », un « réductionnisme » éclairant, une « neutralité » peut-être... comme le définissait le philosophe analytique anglais R. Wollheim dans une exposition à la Green Gallery de New York.
Chez cette artiste, la fragmentation des surfaces (qu'elles soient formulées par triangles, carrés ou autres figures simplifiées) et des plans, est organisée de façon rationnelle et aérée évitant toute monotonie.

Les compositions hautes en couleurs encouragent le visiteur à prendre acte des harmonies offertes. Ailleurs, elle n'a pas hésité à utiliser quelques collages.
Dans certaines réalisations, elle associe même quelques citations comme pour interpeller le spectateur.
Dans de récentes recherches, nous pouvons découvrir cette permanence de la transformation où tout devient mouvements et traces, murmures en partition ou expression neuronale à la recherche d'une écriture tout en évoquant une sensibilité poétique.
En pleine exploration, ce faisant, elle continue à engendrer de nouvelles créations tout en suscitant cette curiosité, offrant même cette opportunité de moduler notre regard avec une certaine sérénité.

Chris CANTER-BRIENS, critique d'art

Originaire de Castres, Laurence LHER est venue s'installer à Caen en 2002. Son goût pour l'art s'est manifesté très jeune, et grâce à une mère peintre amateur et un père d'origine normande et vendéenne qui s'intéressait à la photographie, il s'est d'abord traduit par la pratique du dessin et de la technique du collage. Elle expose régulièrement au niveau national et international (New York, Autriche…).

Laurence LHER pratique délibérément une peinture abstraite d'une extrême sobriété, apparentée au Minimal Art né dans le milieu des années 1960 aux Etats-Unis, autour de Franck Stella. Après avoir pratiqué l'art du portrait dans l'esprit du minimalisme, elle a fui tout illusionnisme et toute tentative de figuration. Laurence LHER assemble des figures géométriques, structures élémentaires abstraites enchevêtrées et fermement articulées, avec une grande économie de moyens et une simplicité radicale. La sensation spatiale est abolie, les contours précis, la palette volontairement réduite à trois, voire quatre couleurs appliquées en aplats non modulés, la lumière surgissant grâce à l'utilisation du blanc, non-couleur fondamentale. Les toiles, savamment rythmées, s'organisent grâce à la combinaison des lignes et du coloris, mais aussi par le jeu habile entre les pleins et les vides. L'apparente réduction de la vision de l'univers à de simples formes mécaniques recombinées fuyant toute référence à la réalité du monde sensible, correspond à la volonté de l'artiste de simplifier une perception du monde, parasitée par l'inutile pour mieux se consacrer à l'essentiel.

Aujourd'hui, Laurence LHER propose des œuvres d'une conception nouvelle, dont la composition a évolué vers de somptueux espaces informels, désormais polychromes, et dont la géométrie est absente. Sa peinture devient fluide et utilise de belles nuances mettant en avant une touche alerte et fondue, dans une gestuelle vive et souple. Sous une apparente neutralité, l'approche visuelle sous-tend toujours la volonté de traduire un symbolisme et une vision métaphorique propres à l'artiste.

Laurence LHER a toujours cherché à imposer ses propres limites de l'univers visible, et à privilégier « l'idée » par rapport aux moyens picturaux. Elle continue de donner à voir un œuvre dont l'épure participe à l'objectivité, et gagne en élégance, tentant de façon sous- jacente de transmettre les valeurs qui lui sont chères, « SAGESSE, BONHEUR, AUDACE et LIBERTÉ ».

Francine BUNEL-MALRAS, Historienne de l'Art

LAURENCE LHER ET SON IMAGINAIRE, TANTÔT GÉOMÉTRIQUE, TANTÔT POÉTIQUE

Celui qui observe les peintures modernes de Laurence Lher y retrouve souvent un parcours conceptuel ancestral caractérisé et animé par la matérialité des coups de pinceau, par l'utilisation savante des matériaux les plus divers. De la profondeur de certaines œuvres où tout, chaque ligne et chaque signe, chaque indentation et saillie de la matière ne font qu'un. Les bosses et les aspérités, chaque frontière et chaque limite de l'espace n'est plus ni représentation, ni figuration ou intention de figure, mais image.

Seulement l'image et le temps.
La narration des signes et de la perspective se déroule sur des surfaces informelles, résultat d'une recherche attentive et d'une expérimentation de différentes matières, où prédominent les gammes de bruns, d'ocres et de bleus; la composition, pleine de suggestions culturelles, est marquée par les connexions d'une dimension globale esthétique et métaphorique.
Laurence Lher utilise la peinture pour exprimer des émotions à travers la couleur. Le spectateur ne voit pas seulement l'art de Laurence, mais ressent et vit l'émotion que chaque œuvre contient. Ses peintures en grands formats reflètent la façon dont elle vit le monde et se caractérisent par une utilisation audacieuse et intense de la couleur, des textures et des détails complexes. Les thèmes clés du travail de Laurence sont le lien entre les personnes et les lieux ainsi que l'appréciation de la beauté éphémère.
L'artiste réunit ses connaissances en matière de design, d'esthétique et de couleur pour créer des tableaux qui sont l'expression de l'émotion humaine.
Par la construction d'autres mondes et la déformation des perspectives, elle désoriente le spectateur et l'incite à envisager des possibilités au-delà de son expérience habituelle.
En créant de tels espaces visuellement immersifs, il s'efforce de comprendre différentes opinions, notamment en ce qui concerne notre relation avec la nature.
La créativité apporte l'exaltation à l'art, car elle dissimule son mystère invisible et caché, et le spectateur, stimulé dans sa psyché, ouvre son esprit et son cœur puis est ainsi conduit à un plus grand engagement dans la connaissance et la réflexion. L'imagination l'aide à progresser et à se découvrir.

Dans la peinture de l'artiste, le signe acquiert une signification prédominante. Bien avant de s'attaquer au tableau, il ressent un besoin graphique comme une "analyse" des variations de son imagination poétique. Comme "connaissance" du sentiment et de la vision pour ensuite la transmettre dans l'œuvre d'art.

Et les études de design du passé l'ont certainement beaucoup influencée.
Ce n'est pas pour rien que ses débuts ont été marqués par un intérêt constant pour la réalisation d’illustrations avec des compositions architecturales et géométriques. Illustrer, dessiner, tracer sur du papier blanc, rouge ou jaune est une confession d'humilité pour visualiser les contenus expressifs et immédiats du moi, tracer dans de grands cercles des itinéraires qui renferment des images et des pensées que l'artiste explore dans son espace ; des visions perçues et fixées dans le temps de la lumière, la nécessité de laisser couler la couleur comme la lymphe qui coule librement sur le papier, pour entrer en harmonie avec ce qui est caché dans l'existence comme une élévation de nouvelles vérités. Il n'y a que l'espace du temps créatif, infini et indéchiffrable, pour le voyage dans de grands champs de couleurs qui s'étendent pour explorer sa propre présence.

Je dirais que le peintre porte en lui la connaissance existentielle d'hier et d'aujourd'hui, de la vie, de l'amour, et qu'il la ressent et l'expérimente le plus lorsque les adversités quotidiennes l'affectent. Elle tente de les apprivoiser en peignant, ce qui entraîne l'artiste dans un voyage révélateur de l'imagination, un processus de création picturale libérateur, pour capturer dans des actes d'amour la beauté de l'invisible qui nourrit notre être dans une jouissance totale et intemporelle ; c'est l'art qui ouvre à l’être les portes troublantes de l'âme.

Septembre 2021
Maria Grazia Todaro Critique d'art et réalisatrice
Galerie QueenArtStudio
Centre international d'exposition d'art
Riviera Tito Livio 75 Padoue (Italie)

Born in the French department of Tarn, Laurence LHER moved to Normandy a few years ago and now works in private and shared studios. In her youth, she developed a passion for photography. Her family background stimulated an interest in interior design, marquetry, framing and urban planning. These experiences, it would seem, resulted in the blossoming of her artistic sensitivity and ability to experiment with surfaces.

Her home decoration boasts bold colours orchestrated in an appealing ensemble, not unlike a signage system (she trained in communication, coaching and law), suggesting a calmness and perhaps even an invitation to experience our relationship to the world differently. She has taken part in numerous public events, and in particular has exhibited in several shows and festivals in both France and abroad (Carpentras, Paris, Cannes, Aix-en-Provence, New York, Italy, Germany, Spain etc.).

Her minimalist quest for abstract shapes, which are heightened by her distinctive choice of colours, renders Laurence LHER's artworks pleasant.
The artist presents a whole range of harmonious pictorial compositions, combining simple geometric shapes with a reduced palette. This helps us to appreciate the works' clarity and also allows for a very personal reading. We recognise the influence of Franck Stella's American Minimalism and also that of the Bauhaus school.
Her desire to bring images to life in her use of geometric shapes reminds us of van Doesburg's aim, which was a balanced relationship between “the individual and the universal”, in line with the De Stijl movement that he founded.

If this dialectic is developed a little further, we can grasp that which can be found in our own surroundings and the meaning we give to what we perceive...
We can even quote P. Mondrian, who wrote that “modern sensitivity must tend towards an immediately universal and rational plastic language.” In Laurence LHER's work, we actually discover an art form that is essentially uncluttered of matter as a result of her play on abstract painted shapes, shapes which create a dynamic that, one might say, limits dramatic and emotional responses. The aesthetic is therefore absent of tension, allowing the visitor to discover a world that is free and open to all interpretation.

We could use terms such as “formal starkness”, or enlightening “reductionism”, or perhaps “neutrality”... as defined by English analytical philosopher R. Wollheim in an exhibition in New York's Green Gallery.
For this artist, the fragmentation of surfaces (whether comprised of triangles, squares or other simplified shapes) and of planes, is undertaken in a rational and well-spaced arrangement to avoid monotony.

The richly coloured compositions encourage the viewer to note the harmonies on show. In other artworks, she readily uses the collage technique.
She even incorporates a few quotations into certain paintings as though to engage the viewer.
In recent experiments, we sense a notion of permanent transformation, where everything is a question of lines and movement. Evocations of music and representations of neural activity denote a quest for a personal expression whilst reflecting a poetic sensitivity.
As a result of her constant exploration, she ceaselessly generates new creations and keeps curiosity alive, even offering us a serene opportunity to alter our perspective.

Chris CANTER-BRIENS, art critic